By Stanley Booth
Sept. 7, 1999 | William Eggleston, now 60 years old, seems securely attached to the title "Father of Color Photography." Maybe the word "color" should be modified by "art" or "artistic," because of course he didn't invent the process. There have been those, however, who would deny that Eggleston's photography has much of anything to do with art.
I met Eggleston in Memphis in the early '60s, shortly after he had come there from his native Mississippi. He was already reputed to be a "serious" photographer. His progress over the decades, however slow and frustrating it's seemed at times to him, has been astonishing. The prince of a matriarchal Southern empire (his mother, two sisters, one wife and many female admirers), he has moved with assurance all along, paying scant heed to naysayers.
One afternoon in 1967, Eggleston, a beautifully groomed and attired young man with dark hair and eyes, dropped in on John Szarkowski, then curator of photography at the Museum of Modern Art, with a suitcase of color slides. It was as if Eggleston was turning himself in to the authorities. A result of this meeting, nine years later, was Eggleston's one-man show of color photographs at the MoMA, only the second in its history. In his introduction to "William Eggleston's Guide," a hardcover book published by the museum to accompany the show, Szarkowski referred to Eggleston's pictures as "perfect," to which the highly offended New York Times art critic Hilton Kramer responded, "Perfect? Perfectly banal, perhaps. Perfectly boring, certainly."
The MoMA show included such images as a dog drinking from a mud puddle, shoes under a bed, a child's tricycle, a tile shower and a kitchen oven. Maybe Kramer figured if he wanted to see a pile of shoes, he could look under his own bed. Others have objected to the subject matter of Eggleston's photographs -- one compared Eggleston's work unfavorably with Ansel Adams' big shots of such things as moonlight on mesas. Adams' subjects are magnificent but have little to do with most people's daily lives. Eggleston's work is dedicated to showing the beauty, humor and horror that surround us at all times and in all places.
An important key to Eggleston's underlying meaning is his admiration for Paul Klee and Vassily Kandinsky. As did these two good-humored masters, Eggleston produces works that are at once, in his phrase, "like jokes and like lessons." It would be a mistake to overemphasize the influence of Klee and Kandinsky on Eggleston -- even calling it an influence goes too far. It's more of an affinity, comparable to the one he shares with musicians as disparate as Satie and Ketelby. (Eggleston is also a musical composer and performer, but that's a topic for another day.)
Growing up in comfortable circumstances on a cotton plantation in Sumner, Miss., Eggleston took his first pictures when he was around 10, using a focus-free snapshot camera, the Brownie Hawkeye. "Everything I photographed blurred, looked horrible," he remembers.
Eggleston's father died in the Pacific during the Second World War, and much of Eggleston's nurturing consequently fell to his maternal grandfather, Judge Joseph Albert May, who died when Eggleston was 11. "He took pictures for a hobby, so I had his Contax and Leica IIIA at home," Eggleston says.
Eggleston attended a military-style boarding academy, Webb School in Bell Buckle, Tenn. His memories of the place are not pleasant: "One of the older students used to tell me, 'Eggleston, I don't know whether to call you "shit-tit" or "tit-shit."'" But he had a friend there named Tom Buchanan, who, later, when they were both attending Vanderbilt University, "marched me to the store and made me buy a camera and developer."
In the words of the brief biographical sketch in the "Guide," Eggleston "matriculated at, and on occasion attended, Vanderbilt University, Delta State College, and the University of Mississippi." At Ole Miss, around 1962, he saw for the first time the work of Cartier-Bresson, his initial inspiration: "A photographer friend of mine bought a book of Magnum work with some Cartier-Bresson pictures that were real art, period. You didn't think a camera made the picture. Sure didn't think of somebody taking the picture at a certain speed with a certain speed film. I couldn't imagine anybody doing anything more than making a perfect Cartier-Bresson. Which I could do, finally."
While he was still in the grip of the Cartier-Bresson obsession, Eggleston moved to Memphis, but it proved a dead end from which escape was vital. "There came a point -- must've had to do with pulling up roots and coming to Memphis -- I had to face the fact that what I had to do was go out into foreign landscapes," Eggleston said. "What was new back then was shopping centers, and I took pictures of them."
I remember being amazed at that first color work. I had never seen anything like it; no one had. The first private, so to speak, color photography that was equal in technical quality to advertising photographs, it was truly subversive, lavishing the kind of attention on everyday reality that had been reserved for selling products. Eggleston recalls:
What I set out to do was produce some color pictures that were completely satisfying, that had everything, starting with composition. My first tries were ridiculous. I got some snapshots back and I hadn't exposed them properly; they were awful. I threw them away. Composition was probably correct, but it was lost in the ... dismal technical failure.
I'd assumed I could do in color what I could do in black and white, and I got a swift, harsh lesson. All bones bared. But it had to be. Then one night I stayed up figuring out what I was gonna do the next day, which was go to Montesi's, the big supermarket on Madison Avenue in Memphis. It seemed a good place to try things out. I had this new exposure system in mind, of overexposing the film so all the colors would be there. And by God, it all worked. Just overnight. The first frame, I remember, was a guy pushing grocery carts. Some kind of pimply, freckle-faced guy in the late sunlight. Pretty fine picture, actually.
It has by now become evident, perhaps even to Hilton Kramer, that an essential point of Eggleston's work is his determinedly anti-heroic subject matter. He has said that he believes it's possible to photograph anything, anywhere. ("A long time ago I didn't," he recalls. "I thought you had to go to Paris.") Because of the protean nature of photography and its many uses, critics and non-critics have trouble seeing photographs for what they are rather than for what's in them. Sublime photojournalists such as Robert Capa and Susan Meiselas have created powerful images of compelling subjects, but this is far from what Eggleston does. His work starts from the premise that it's about more than its subject matter. "It's the photography that's important," he has said.
For nearly 40 years, Eggleston has been married to Mississippi princess Rosa Dosset. As teenagers they roamed the Delta in matching baby-blue Cadillacs. They have two sons, William and Winston, and a daughter, Andra. The sons are world-class loudspeaker designers. If you're into musical perfection and can stand the heat, they'll sell you a pair of speakers for a hundred grand. (Their economy speaker, the Andra model, will set you back $15,000.) Little Bill told Stereophile magazine, which named the more expensive speakers its product of the year for 1997, "My dad always told me that when he started, the only way you could get really good speakers was to build them yourself," adding, "It seemed like there was always a war between having a pile of equipment in the living room and having a neat, normal room."
When I first knew Eggleston, one occasionally heard the word "dilettante" used to describe him, simply because one man isn't supposed to know about music, firearms, sound systems, television set construction and art. Eggleston's strict low-key aesthetic kept him from becoming a household name overnight. Seekers of romance can find it in his work, but only with an investment of effort that such seekers, whether housewives or New York Times critics, are rarely willing to make. Though he did not slacken his progress in amassing a great body of work -- thousands of exposures -- Eggleston did not publish another book of photographs until "The Democratic Forest" in 1989. He had by that time photographed extensively in the American West, Kenya, Egypt, Georgia, Louisiana, England, Germany and Austria. He had also completed a commission to photograph Graceland, Elvis Presley's monument to bad taste. Though Eggleston and Presley came from opposite ends of the social spectrum, there was a certain poetic justice in the choice of Eggleston as the one to preserve Presley's milieu. After becoming a successful entertainer, Presley never wore blue jeans. Eggleston has never owned a pair in his life. The significance of wearing what are essentially work clothes was lost on neither man.
Eggleston has been characterized, justly, as willful. Seldom has there been a greater individualist than Eggleston, a man who prides himself on never having done a push-up. (For a former military school inmate, this is indeed an accomplishment.) His iron determination and discipline are perhaps most clearly revealed in his work method, which consists of taking one shot of an image. That is, contrary to what they tell you in photography class, Eggleston doesn't bracket exposures, he doesn't try first one angle and then another; he sees a composition and captures it once and for all time.
True, his photographs, as Eudora Welty acknowledged in her introduction to "The Democratic Forest," "focus on the mundane world. But," she hastens to add, "no subject is fuller of implications than the mundane world!"
Eggleston's next book, "Faulkner's Mississippi," published in 1990, contained an extensive text by Willie Morris, another native of the state. It was a m?age ?trois made in heaven, or someplace rather dissimilar from Mississippi. Morris' prose is excellent, filled with understanding and empathy, but Eggleston's photographs, so unlike much of Faulkner's work in their impeccable clarity, overpower the project and make it ultimately one more great Eggleston album.
In 1959 the master photographer Walker Evans called color photography vulgar -- not meaning it as a compliment -- but that was before he fell in love with William Christenberry's Brownie pictures and the products of his own Polaroid SX-70. In the '70s, Szarkowski said that Eggleston was inventing color photography, and it seems he was right. Many photographers have followed his lead, but no one has been able to do what he does. His influence in that sense might be compared to Hemingway's: He changed everything, but nobody can really emulate him. His subject matter is too unpredictable, his compositional sense too unerring.
The most extensive view of Eggleston's work published to date is "Ancient and Modern," released to coincide with a 1992 exhibition at the Barbican Art Gallery in London. It includes black-and-white images from the early and middle '60s as well as color work from around the world. The exhibition traveled to Denmark, Germany and Switzerland. He has since had many exhibitions in the United States and in other countries such as Japan and Austria. In March of this year he went to Goteberg, Sweden, to accept the Erna and Victor Hasselblad Foundation International Award in Photography. At the same time there was an exhibition at the Hasselblad Center in the Goteberg Museum of Art. Scalo publishers issued a book, "William Eggleston," to commemorate the event. In its foreword, Gunilla Knape, director of the Hasselblad Center, writes, "Eggleston introduced a new aesthetic, a new 'democratic' way of seeing through which the ordinary and banal became extraordinary and engrossing."
The banal, then, is still banal, but now it's engrossing. I suppose this must be seen as progress, but Eggleston's belief has been and remains that what the resolutely high-minded call banality is the stuff of life itself. It is where we live -- but not only there. Much has been made of Eggleston's oft-quoted statement "I am at war with the obvious." Here he is, not atypically, saying a good deal less than he means. Eggleston loves the obvious -- he hates, and is indeed at war with, the idea of it, the contempt in which it is held. He sees what's in the gutter but also looks up to the heavens. As Malcolm Jones, an unusually perceptive critic of Eggleston's work, has observed, "He addresses the meanest objects with unstuttering love."
salon.com | Sept. 7, 1999
출처 - http://www.salon.com/people/bc/1999/09/07/eggleston/
http://www.fotomuseum.ch/DEU/MUSEUM/museum_SamInfo.html#anchorBaltz
불린다. "칼라"이라는 단어는 "예술" 혹은 "예술적"이라고 고쳐야 할것이다.
왜냐하면 그가 칼라현상 과정을 발명한것이 아니기 때문이다. 이글스톤의
사진이 예술과는 관계없다고 부정하는 사람은 아마 없을 것이다.
이글스톤이 미시시피를 떠나 멤피스로 온지 얼마되지 않았던 60년대
초에 멤피스에서 그를 만났다. 그는 이미 "진지한 사진가"로서 명성을
얻고 있었다. 이글스톤에게 지난 십여년간의 지리하고 고통스러웠던
기간은 놀라운것이었다. 여성왕국의 왕자(그의 어머니, 두 여자매, 많은
여성 구혼자들)였던 그는 부정적인 시각을 무시하고 확신에 차서
이사를 했다.
1967년 어느날 오후, 매력적인 검은 머리와 눈을 가진 젊은 이글스톤은
말끔하게 차려입고 칼라 슬라이드 필름들을 가지고 그당시 MOMA의 사진
큐레이터였던 존자우코스키를 방문했다. 이것은 마치 이글스톤이 스스로
대가로서 변신을 하는것 같았다. 이 만남의 결과로 9년후에 이글스톤은
MoMA에서 단독 전시회를 가지게 된다. 이것은 역사상 2번째였다.
전시회와 같이 MoMA에서 출판된 책, "윌리암 이글스톤 소개(William
Eggleston's Guide)"라는 소개 글에서 자우코스키는 이글스톤의
사진들을 "완벽한"으로 언급하고 있다. 이 글은 뉴욕 타임즈의
예술 비평가인 힐튼 크래머(Hilton Kramer)를 화나게 했고, 다음과
같은 반응을 불러 일으켰다:"완벽? 확실히 완벽하게 지루하고 진부하다".
MoMA 전시회에서는 진흙탕물을 마시고 있는 개, 침대 아래에 놓여
있는 신발, 어린이 세발자전거, 목욕실 타일 그리고 부엌 오븐등을
포함하고 있다. Kramer는 한무더기의 신발을 보고 싶었다면 침대밑을
보면된다는 것을 알고 있었을 것이다. 다른 사람들은 이글스톤의
사진 주제에 대해서 반대했다 - 사람들은 이글스톤의 작업과 엔셀
아담스의 대지에 빛친 달빛 같은것을 찍은 커다란 사진과 비우호적으로
비교를 했다. 아담스의 주제는 웅대한것이었지만 대부분의 사람들의
일상과는 관계없는 것이었다. 이글스톤의 작업은 항상 모든 장소에서
우리를 둘러싸고 있는 미와 유머 그리고 공포를 보여주는데 헌신하고 있다.
이글스톤을 이해하는 중요한 수단은 Paul Klee와 Vassily Kandinsky에
대한 그의 예찬이다. 좋은 유머 감각을 두명의 대가들처럼, 이글스톤은
"농담처럼, 교훈처럼" 한번에 작품을 만들어낸다. 이글스톤에게 클레와
칸딘스키의 영향이 과도하게 강조되는 실수가 있을수 있다 - 지금까지
이 영향력이 유효할지라도. 이것은 이글스톤이 서로다른
음악가 Satie와 Ketelby들과 공유했던 것과 비교하면 그 이상이다.
(이글스톤은 작곡가면서 연주자이다. 그러나 이건 또다른 이야기다)
미시시피, 섬너(Sumner)에서 연화 농장의 풍요한 환경에서 성장한
이글스톤은 10살쯤에 초점이 없는 카메라(the Brownie Hawkeye)로
그의 첫번째 사진을 찍었다. "내가 찍은 모든 사진은 희미했고,
끔직했다"라고 그는 회상한다.
이차대전중에 이글스톤의 아버지가 돌아가셨다. 결과적으로 이글스톤은
판사인 외할아버지 Joseph Albert May밑에서 자랐다. 그는 이글스톤이
11살때 돌아가셨다. "그는 취미로 사진을 찍었다. 덕분에 나는 집에
콘탁스와 라이카 IIIA를 가지게 됐다"라고 이글스톤은 말한다.
이글스톤은 Bell Buckle에 있는 군대식 기숙사 학교에 들어간다. 그곳에
대한 이글스톤의 기억은 기분좋은 것이 아니다: "나이많은 학생중 하나는
나한테 다음과 같이 말하곤 했다. `이글스톤 너를 "보잘것 없는
계집아이(shit-tit)" 혹은 "작은 고추(tit-shit)"이라고 부르는지
알고 싶지 않어". 그러나 그는 Tom Buchanan이라는 친구를 만났다.
후에 그들은 vanderbilt 대학에 같이 진학한다. "Buchanan는 내가 카메라
가게에 가서 카메라와 현상약품을 사게 만들었다."
"안내문(Guide)"에 나온 짧은 전기에 보면, 이글스톤은 Vanderbilt 대학,
Delta 주립대, 미시시피 대학에 등록했고, 때때로 청강했다". 1962년경
Ole Miss에서 이글스톤은 처음으로 까르띠에-쁘레송의 작품을 보았다.
그의 첫번째 감명은 "내 사진작가 친구가 까르띠에-쁘레송의 작품과
진실로 예술적인 사진들을 담은 매그넘 사진집을 샀다. 당신은 어떤
카메라가 그 사진들을 찍었다고 알수 없을것이다. 그리고 어떤 사람이
어떤 감도의 필름을 사용하여 어떤 셧터 속도에서 그 사진들을 찍었다고
알수 없을 것이다. 나는 어느 누구도 까르띠에-쁘레송이 만들어낸
완벽한 작품들을 능가할 수 없다고 생각할 수 없었다. 나는 할수 있다"
아직 까르띠에-쁘레송의 강박관념에 사로잡혀 있었던 시기에 이글스톤은
멤피스로 이사를 했다. 그러나 막다른 길로부터 탈출은 성고했다 "내가
해야만 되는 일은 -- 나의 근원과 단절하고 멤피스로 와야했던 -- 낯선
풍경들 속으로 들어가야만 할 시점왔다는 사실을 직시하는 것이었다."
라고 이글스톤은 말했다. "새로운 필름을 넣고 찍은것은 쇼핑센터였다"
나는 첫 칼라사진이 대단한것이었다고 기억한다. 이 같은 사진을 전에는
본적이 없었다: 아무도 해내지 못했었던것이다. 소위 첫번째 칼라사진
작업은 기술적인 의미에서 광고사진들과 같은것이었다. 그것은
팔기위해서 진열된 일상용품에 대한 과도하게 주의를 환기시키고 있다.
이글스톤은 다음과 같이 회상한다:
내가 시작했던것은 구성면에서 완전히 만족할만한 칼라사진을 만드는
것이었다. 첫번째 시도는 우스운것이었다. 나는 스냅샷을 찍었고
노출은 엉망이었다. 나는 그것들을 집어던졌다. 구성은 그런데로
괜찮았지만, 기술적으로 서툴러서 실패했다.
나는 흑백으로 할수 있는 작업은 칼라사진으로 할수 있다고 생각했다.
그래서 나는 빠르게 공부를 했다. 그러고 나니 핵심이 보였다.
어느날밤 나는 다음날 멤피스의 메디슨가에 있는 커다란 쇼핑몰인
Montesi에 갈려고, 낼 무없을 할것인가 곰곰히 생각하고 있었다. 그곳은
무엇인가를 시도하기에 좋은 장소였다. 나는 색이 존재하는 한도내에서
과다노출을 줄 새로운 노출시스템을 생각하고 있었다. 그것은 예측대로
되었다. 단지 하룻밤만에. 내가 기억하기에 첫프레임에 한 남자는
쇼핑카터를 밀고 있었다. 늦은 오후 햇빛속에 기미낀 얼굴의 남자였다.
정말로 완벽한 사진이었다.
이글스톤 작업의 가장 기본적인 것은 확고한 반영웅적인 주제들이라는
것이 확실하다. 그는 어디서든, 어떠한것이든 사진으로 찍을 수 있다고
말했다. ("오래전에는 이렇게 할수 없었다. 파리로 가야만 하는줄 알았다"
라고 이글스톤은 회상한다) 사진의 다양한 성질과 다양한 사용 때문에
평론가들과 비평론가들은 사진안에 무엇이 있는지보다는 사진이
무엇인가를 보는것이 힘들다. 로버트 카파나 Susan Meiselea같은 위대한
포토저널리스트들은 놓칠수 없는 주제들로부터 힘있는 이미지들을 만들었다.
하지만 이글스톤하고는 상관없는 부분이다. 그의 작업은 근본적으로
주제 이상의 것들로부터 시작한다. "중요한것은 사진이다"라고 그는 말한다.
40년이상 이글스톤은 미시시피의 Rosa Dosset과 결혼생활을 하고 있다.
10대때에 그들은 밝은 푸른색을 가진 캐딜럭을 타고 Delta를 돌아다녔다.
그들은 Willaim과 Wintson의 두명의 아들과 Andra라는 한명의 딸이 있다.
아들들은 세계적인 스피커 디자이너들이다.
1997년에 생산한 비싼 스피커의 이름을 딴 잡지 Stereophile에서 동생
Bill이 이야기를 했다 "나의 아빠는 항상 다음과 같이 말했다. 당신이
시작할때는 진짜로 좋은 스피커를 구할수 있는 방법은 자작하는것
뿐이었다라고" 덧붙여 "거실에 장비더미를 쌓는것과 깔끔하고 정상적인
방을 만드는 것 사이에서 문제가 있었다"라고.
내가 처음으로 이글스톤을 알았을때, 그를 "예술 애호가"라고 부르는
소리를 자주 들었다. 왜냐하면 한사람이 음악, 소형화기, 사운드 시스템,
TV 세트 만들기 그리고 예술을 안다는 것을 믿기지 않았기 때문이다.
이글스톤의 억제된 예술감각 때문에 대중적으로 알려지지 않았다.
로맨스를 찾는 사람은 그의 작품에 발견할 수 있다 하지만 그가 열심히
찾을려고 노력을 해야만 찾을 수 있다. 많은 작업양을 가진 이글스톤의
진행과정은 더디지는 않지만, 1989년에서야 "The Democratic Forest"를
두번째로 출판하였다. 그는 그때까지 미국 서부, 케냐, 이집트, 루시아나,
영국, 독일 그리고 오스트리아에서 작업을 했다. 그는 또한 Graceland의
엘비스 프레슬리의 기념물에 대한 불쾌함을 드러낸 작업도 마쳤다.
이글스톤과 프레슬리가 사회계층 스펙트럼의 양끝단에 있지만, 사람들이
프레슬리의 환경을 보존할려는것처럼 이글스톤의 선택에는 어떤
시적정의(poetic justice)가 있다. 프레슬리는 엔터테이너가 된 이후로
청바지를 안입었지만, 이글스톤은 평생 청바지를 사본적이 없다.
작업복을 입는다는 의미는 남자로서의 손상을 나타낸다.
이글스톤은 옹고집적(willfull)이다. 이글스톤처럼 개인주의적인 사람도
없다. 그는 스스로 팔굽혀펴기를 안해본것을 자랑으로 여긴다. 그의
굳은 결단력과 훈련은 하나의 이미지를 위해서 오직 한장의 사진만을
찍는 그의 작업방식에서도 나타난다. 이것은 사진을 가르치는곳에서
하는 이야기와는 정반대의 경우다. 이글스톤은 브라켓을 하지 않고,
단 하나의 각도만을 찍는다: 그는 구도를 생각하고 단한번에 찍어낸다.
"The Democratic Forest"의 서문에서 Eudora Welty가 기술하고 있는것
처럼 "그의 사진들은 평범함 세상을 향하고 있다. 그러나 어떤 주제도
평범한세상보다 암시적인것은 없다."
미시시피의 다른 모습을 찍은 다음 책 "Faulkner's Mississipi"는 1990년에
출판되었고, Wille Morris의 글이 실려있다. 모리스의 산문은 사진에
대한 훌륭한 이해와 공감을 표현하고 있지만, Faulkner의 흠잡을데 없는
작업과는 대조적으로 이글스톤의 사진은 프로젝트를 압도하고 이것은
궁극적으로 또다른 이글스톤의 위대한 작품으로 남는다.
1959년에 위대한 사진작가 워커에반스는 칼라사진을 천박하다고 말했다.
그러나 이것은 그가 William Christenberry의 SX-70 폴라로이드
사진들에 매료되기 전이었다. 자우코스키는 이글스톤이 칼라 사진을
발명했다고 말했다 그리고 이것은 맞는 말 같다. 많은 사진가들은
그의 길을 따랐고 어느 누구도 그가 했던 것을 해낼수 없는것 같다.
이런 의미에서 그의 영향은 헤밍웨이와 비교될만 하다: 그는 모든것을
바꿨으나 어느 누구도 그를 능가하지는 못했다. 그의 주제는 예측할
수 없고 그의 구성은 완벽했다.
오늘날 출판된 이글스톤의 확장된 관첨의 책은 "Ancient and Modern"이다.
1992년 영국 런던의 Barbican Art Gallery에서 전시회와 같이 출판되었다.
이것은 초창기의 흑백 이미지들을 포함하고 있고 60년대 중반에 칼라
사진도 포함하고 있다. 이전시회는 덴마크, 독일 그리고 스위스를 순회
했다. 그는 미국에서 뿐만 아니라 일본과 오스트리아와 같은 다른
나라에서도 많은 전시회를 가졌다.